Document n°53 : La caisse Vallé

Ci-joint le document « Note des objets contenus dans la caisse à expédier à Monsieur Félix Vallé à St Geneviève », analysé dans LAURENT HUGOT, TANGI VILLERBU, « La caisse Vallé. Des antiquités égyptiennes chez les Créoles du Missouri : circulation atlantique des objets et des cultures (1820-1860) », RH19, n°53, 2017/1.

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Atelier « Les mots du politique »

Le Comité de vigilance face aux usages publics de l’histoire et la Société de 1848 vous convient à leurs ateliers publics :

LES MOTS DU POLITIQUE

Organisés par le CVUH et la Société de 1848

Présentation

Certains mots, qui un temps dans l’histoire, ont porté des idées libératrices sont désormais mis au service de la marchandise : l’usage du mot concept est un symptôme révélateur de cette décomposition. Instrumentalisés le plus souvent par un ordre politique profondément déstabilisé, les mêmes mots, autrefois mobilisateurs, voient leur sens inversé, tel le mot liberté par exemple.

Aujourd’hui semblent triompher partout la communication, le marketing, et le langage publicitaire qui accélèrent l’obsolescence des mots. Les élites politiques, économiques et intellectuelles utilisent de plus en plus une novlangue technocratique qui dépolitise et dissimule les véritables enjeux derrière un hypocrite voile d’ignorance et de prudence. Même les universitaires – soucieux d’obtenir des financements et de répondre à des appels à projet – ne cessent désormais de reprendre des catégories vides et creuses forgées ailleurs par des communicants. Cela contribue à la crise démocratique sans cesse diagnostiquée.

Or les mots pris dans des luttes de pouvoir et des rapports de force, s’élaborent historiquement au cours de conflits dont il importe de restituer les enjeux. Reconquérir le sens des mots, démystifier ceux qui prolifèrent dans l’actualité, sortir des langages qui enferment la pensée, tel devrait être l’une des missions de l’historien critique.

Afin de faire valoir la connaissance au détriment de l’opinion, le Comité de vigilance face aux usages publics de l’histoire (CVUH), en collaboration avec la Société d’histoire de la Révolution de 1848 et des révolutions du XIXe siècle, se fixe pour objectif l’organisation d’ateliers de réflexion sur ces mots dont on parle mais dont on a oublié l’idée, la place et le rôle dans le mouvement de l’histoire et les expériences sociales. Nous chercherons également par une déconstruction historique à libérer les mots de la novlangue politico-médiatique. »

Les séances, à destination d’un public non universitaire, se tiennent au Lieu-dit, 6 rue Sorbier, Paris XXe. Le programme prévisionnel est le suivant :

Jeudi 2 février 2017 : « Souveraineté » (coord. Emmanuel Fureix) [et non le 19 janvier comme prévu initialement]

Jeudi 2 mars 2017 : « populisme et peuple » (coord. Anne Jollet)

Jeudi 23 mars 2017 : « civilisation et barbarie » (coord. Blaise Dufal)

Jeudi 27 avril 2017 : « intégration et assimilation »(coord. Gilles Manceron)

Jeudi 18 mai 2017 : « réforme et révolution » (coord. Laurent Colantonio) 

The birth of a nation

Un film de Nate Parker
sortie le 11 janvier 2017

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Trente ans avant la guerre de Sécession, Nat Turner est un esclave cultivé et un prédicateur très écouté.
Son propriétaire, Samuel Turner, qui connaît des difficultés financières, accepte une offre visant à utiliser les talents de prêcheur de Nat pour assujettir des esclaves indisciplinés. Après avoir été témoin des
atrocités commises à l’encontre de ses camarades opprimés, et en avoir lui-même souffert avec son épouse, Nat conçoit un plan qui peut conduire son peuple vers la liberté…

 

Urfaust

MISE EN SCENE GILLES BOUILLON

Théâtre de la Tempête – salle Copi
Du 11 janvier au 5 février 2017

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Urfaust – ou Faust originaire, 1775 – est la matrice du Faust que nous connaissons, remanié et publié trente ans plus tard. Le manuscrit, miraculeusement conservé, n’a été retrouvé qu’en 1887. Cette oeuvre de jeunesse puise son inspiration dans la littérature populaire, dans le théâtre de foire et dans le fait divers : une jeune fille exécutée pour infanticide. De l’ancienne légende du mage et du savant, Goethe délaisse la dimension folklorique : pas de pacte signé avec le sang, pas de sabbat des sorcières ; Méphisto n’est sans doute qu’un alter ego. Faust a soif d’autres connaissances et d’autres émotions : c’est un homme libre qui s’aveugle en cherchant « la vraie vie »… Il cristallise les fantasmes de possession d’une âme insatisfaite, et seul l’amour de Marguerite saura muer la volonté de puissance en connaissance du coeur avant de se fracasser tragiquement sur la violence de la société, et de mener à la folie. La combinaison du tragique et du bouffon, la compression explosive de la fable, la crudité du langage font de Urfaust aujourd’hui la version la plus intense du drame, la plus proche de notre sensibilité. « Un chef-d’oeuvre jeté sous la forme d’une esquisse admirable. » B. Brecht

Site du spectacle

20 000 lieues sous les mers

ADAPTATION ET MISE EN SCENE
CHRISTIAN HECQ ET VALERIE LESORT

Comédie française, Vieux colombier
Du 25 janvier au 2 mars 2017

En 2015, Christian Hecq, sociétaire, et Valérie Lesort relevaient le défi de créer, avec 20 000 lieues sous les mers, un spectacle pour acteurs et marionnettes. Six comédiens de la Troupe allaient apprendre l’art de la manipulation pour donner vie à l’équipage du Nautilus et au monde qui l’entoure, celui des grands fonds. Tour à tour à vue sur le plateau et manipulateurs cachés dans le noir des profondeurs, les acteurs nous embarquent à bord du Nautilus, vaisseau légendaire tenant à la fois du monstre marin et du navire de pointe. Utilisant le principe du théâtre noir, méduses et poissons semblent flotter dans ce monde où la lumière du jour ne pénètre jamais. « Sur scène, la marionnette permet à l’acteur des mouvements, des expressions, des accélérations que son corps est incapable de faire, elle prolonge et démultiplie son expression corporelle. Je parle souvent de “dynamo-rythme” à propos de la faculté de reproduire la dynamique d’un être. Ici, pour les poissons, c’est un mélange de mouvements lents et rapides, exécutés de façon apparemment aléatoire. C’est un spectacle d’images où les poissons peuvent faire une sacrée concurrence aux acteurs ! » dit Christian Hecq.
Toute la poésie et l’univers fantastique de l’œuvre de Jules Verne se retrouvent dans ce tour du monde à travers les océans où les enfants, petits et grands, aiment à se replonger.

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La chose commune

CRÉATION / OPÉRA JAZZ
D’EMMANUEL BEX ET DAVID LESCOT

La Halle aux Grains à Blois, mardi 28 mars, 20h30

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Jazz révolutionnaire

Le 18 mars 1871, alors que le Second Empire s’est écroulé dans la défaite contre la Prusse, le peuple de Paris se soulève et – ainsi parla Jules Vallès – « [prend] les armes contre un monde mal fait et [forme], sous le drapeau de la Commune, la grande fédération des douleurs ». L’expérience politique durera deux mois et s’achèvera dans le sang d’une cruelle répression. Le vent de cette épopée utopique souffle encore. Pour raconter cette histoire sans en perdre la force, pour en vivre et faire vivre la puissance, le dramaturge David Lescot et le musicien Emmanuel Bex ont imaginé un opéra-jazz. Car le jazz et la Commune de Paris partagent finalement beaucoup : le goût de la liberté, de la mise en commun, la pratique de la tentative, l’improvisation. Entourés de la chanteuse Élise Caron, du rappeur Mike Ladd, de la saxophoniste Géraldine Laurent, du batteur Simon Goubert, sans décor ni costume, ils ravivent le feu et font parler la poudre.

De formation classique, le pianiste et organiste Emmanuel Bex est venu au jazz à la suite d’une rencontre, en 1977, avec Bernard Lubat. Il n’a depuis cessé de multiplier les expériences, du Bex’tet au Requiem en couleurs, pour trio de jazz et 120 choristes. David Lescot est auteur, metteur en scène et musicien. Son écriture et son travail scénique mêlent au théâtre des formes non-dramatiques (musique, danse ou matière documentaire). Parmi ses très nombreux projets : L’Européenne, Grand prix de littérature dramatique en 2008, La Commission centrale de l’enfance, Molière de la révélation théâtrale en 2009 et Le Système de Ponzi ; tous trois ont été accueillis à la Halle aux grains.

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Du sel au pixel

Du 2 novembre 2016 au 5 février 2017, au Musée des Beaux-Arts de Lille.

L’objectif de cette exposition dossier est de faire découvrir un extrait de la collection de photographies conservées dans les collections du musée. A partir de 55 documents, le propos est de montrer les transformations du bâtiment de 1892 à 1990, les collections, et aussi la reproduction d’œuvres à travers différents procédés. Du Sel (d’argent) au Pixel (numérique), découvrez les différentes techniques qui ont fait l’histoire de la photographie.

À l’origine, la constitution de ce fonds photographique est purement documentaire, à but de recherche scientifique ou de comparaison. Ce qui frappe, c’est que ce fonds est marqué d’une particulière unité. Il constitue une formidable manne d’informations visuelles pour l’étude d’un musée français depuis la fin du XIXème siècle. Nous y découvrons tout à la fois la vie d’un musée durant un conflit armé, des reportages systématiques de chantier de rénovation (1932-1337 et 1991-1997), mais également tout le processus de réflexion d’un accrochage des peintures à mi-chemin entre la profusion héritée des XVIIIème et XIXème siècles et la nécessité pédagogique de classement chronologique, par école et par sujets, encore d’actualité de nos jours (1924).

Autrefois, jamais la photographie n’a été acquise pour elle-même en tant qu’œuvre d’art. Et pourtant, plusieurs grands noms apparaissent : Charles Marville, Félix Nadar, Alphonse Le Blondel ou Adolphe Braun. Mais aussi, plus récemment, Didier Mahieu, Philip Bernard, Olivier Despicht ou bien encore Carole Fékété, Peter Yang et Rémi Guerrin, qui ont fait leur entrée dans la collection grâce à la volonté clairement énoncée d’ouvrir le fonds à la photographie contemporaine.

Un vaste chantier reste dorénavant à mener: identification précise, classement, préservation puis mise à disposition auprès des visiteurs et chercheurs. L’aventure photographique du musée ne fait sans doute que commencer.

Site de l’exposition

Frédéric Bazille (1841-1870). La jeunesse de l’impressionnisme.

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Du 15 novembre 2016 au 5 mars 2017

Comment regarder l’oeuvre de Frédéric Bazille, mort au combat en 1870 lors de la guerre franco-prussienne alors qu’il n’était âgé que de 28 ans ?
Si ses premières toiles sont clairement celles d’un peintre en devenir, influencé par le réalisme ou son ami Monet, l’artiste a néanmoins achevé de nombreux chefs-d’oeuvre, dans lesquels s’affirme progressivement son génie singulier.
Une soixantaine de tableaux est parvenue jusqu’à nous, chacun constituant un défi, un jalon, pour le jeune artiste nous permettant d’être attentifs à sa progression vers l’expression toujours plus personnelle de son « tempérament », selon les mots de l’époque.
Organisé de façon thématique et chronologique à la fois, le parcours mêle les oeuvres de Bazille à celles de ses contemporains comme Delacroix, Courbet, Manet, Monet, Renoir, Fantin-Latour, Guigou, Scholderer ou encore Cézanne. Ces confrontations replacent son travail au coeur des grandes problématiques de la peinture d’avant-garde des années 1860 (la vie moderne, le renouvellement des genres traditionnels comme le portrait, le nu ou la nature morte, le plein air et la peinture claire, etc.), auxquelles Bazille contribua largement, et mettent en relief la profonde originalité de son inspiration.
Cette exposition invite ainsi à la redécouverte d’un acteur majeur, malgré sa disparition précoce, de la genèse de l’impressionnisme, permise notamment par les recherches et les études scientifique les plus récentes qui nous éclairent sur les méthodes de travail de Bazille, ses liens avec Monet ou Renoir et ont permis de retrouver la trace de créations considérées comme disparues, chaînons manquant d’une oeuvre rare.

Site de l’exposition

Fantin-Latour, À fleur de peau

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Du 14 septembre 2016 au 12 février 2017.

Première rétrospective de l’œuvre de Henri Fantin-Latour (1836-1904) à Paris depuis l’exposition de référence consacrée au peintre dans les galeries nationales du Grand Palais en 1982, cette exposition met en lumière les œuvres les plus emblématiques d’un artiste surtout connu pour ses natures mortes et ses portraits de groupe, et révèle également la part importante occupée dans son œuvre par les peintures dites « d’imagination ».

Très attaché dès sa jeunesse à la restitution fidèle de la réalité, Fantin-Latour explora également, avec délectation, une veine plus poétique qui le rapproche des symbolistes. L’exposition, qui embrasse toutes les facettes de cette riche carrière, propose un parcours dense rassemblant plus de cent cinquante œuvres, tableaux, lithographies, dessins et autres études préparatoires.
Suivant un plan chronologique, l’exposition s’ouvre sur les œuvres de jeunesse de l’artiste, en particulier les troublants autoportraits qu’il réalise dans les années 1850-1860. Confiné dans l’atelier, Fantin-Latour trouve alors ses sources d’inspiration au cœur de son intimité : modèles captifs, ses deux sœurs sont mises en scène en liseuses ou en brodeuses, tandis que les natures mortes savamment composées des années 1860 révèlent, déjà, les qualités d’observation exceptionnelles du jeune artiste.
Les coups d’éclat de la décennie 1864-1872, période charnière dans le travail de Fantin-Latour, sont mis en lumière dans la seconde partie de l’exposition. Mu par de grandes ambitions, le jeune artiste travaille alors intensément, innovant avec panache dans le domaine du portrait de groupe. Avec Le Toast (1864-1865), Un atelier aux Batignolles (1870) et Coin de table (1872), il multiplie les œuvres à valeur de manifestes.
La troisième partie de l’exposition présente les séries de natures mortes et de portraits que l’artiste réalise entre 1873 et 1890. Les somptueux portraits de fleurs qu’il brosse alors par dizaines témoignent d’un talent rare dans la composition des bouquets autant que d’une exceptionnelle virtuosité dans le rendu des matières. Ses portraits, qu’ils soient posés ou plus intimistes, illustrent eux aussi un sens aigu de l’observation.
L’artiste se lasse pourtant peu à peu des portraits et des natures mortes, ainsi que le révèle la quatrième partie de l’exposition. « Je me fais plaisir » : par cette phrase écrite dans une lettre à Edwards en 1869, Fantin-Latour évoque les œuvres dites « d’imagination » qui occupent une part croissante dans son œuvre au fil des années. Nourries de sa passion pour la musique, inspirées par des sujets mythologiques ou odes à la beauté du corps féminin sous couvert de chastes allégories, ces œuvres révèlent un visage moins connu de l’artiste.
Entre l’austérité des portraits familiaux, la richesse des natures mortes et la féerie des tableaux d’imagination se dessine ainsi un personnage tout en nuances, dont la personnalité complexe se trouve éclairée par l’abondante correspondance qu’il entretint avec plusieurs de ses amis et artistes de l’époque. L’exposition innove d’ailleurs en consacrant une salle au processus créatif de Fantin-Latour qui, centrée sur L’Anniversaire peint en 1876, présente en parallèle peintures, dessins et lithographies retravaillées à de nombreuses reprises. Cette rétrospective est enfin l’occasion de dévoiler au public un corpus de photographies inédit, saisissant répertoire de formes pour l’artiste.

Commissariat : Laure Dalon, conservateur à la Rmn – Grand Palais, adjointe au directeur scientifique ; Xavier Rey, conservateur au Musée d’Orsay, et Guy Tosatto, directeur du Musée de Grenoble.

Site de l’exposition

L’oeil de Baudelaire

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Du 20 septembre 2016 au 29 janvier 2017
Le musée de la Vie romantique à l’occasion du cent-cinquantenaire de la mort du poète, consacre une exposition aux curiosités esthétiques de Charles Baudelaire.
Imaginer une exposition qui renoue le dialogue entre les textes du jeune poète et les œuvres d’art qu’ils commentent, c’est offrir au visiteur l’occasion de pénétrer dans les grandes pages des écrits esthétiques de Baudelaire qui font date dans l’histoire de la
critique d’art. En présence d’une centaine de peintures, sculptures
et estampes évoquées par Baudelaire, le spectateur se voit invité à
confronter son propre regard à la sensibilité artistique de l’auteur des Fleurs du mal et à comprendre comment s’est forgée la définition de la beauté moderne, qu’il n’a jamais reniée. Comment se laisser séduire par le « mérite de l’inattendu », préférer toujours un tableau « fait » à un tableau « fini », reconnaître le caractère essentiellement romantique de la couleur, sans désavouer la nature « idéale » de la ligne, réclamer chez les artistes cette part de « naïveté » qui mène à l’audace et à la crudité des tons, attendre d’une œuvre, fût-ce un portrait ou une page de religion, qu’elle « respire
l’amour », reconnaître enfin « l’héroïsme de la vie moderne » et « la beauté de l’habit noir » ?
Aux côtés de Baudelaire, cette exposition explorera les mutations qui s’opèrent entre romantisme et impressionnisme en présentant, autour des artistes phares de l’époque – Delacroix, Ingres, Camille Corot, Rousseau ou Chassériau-, les peintres qui ont su lui plaire ou l’irriter. Elle permettra de découvrir la modernité que forg e le poète face au nouveau Paris et aux langages artistiques en formation, incarnée par la génération montante et la figure de Manet. Elle montrera enfin, l’attachement indéfectible de Baudelaire au romantisme et à Delacroix.

Spectaculaire Second Empire, 1852-1870

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Du 27 septembre 2016 au 15 janvier 2017

Régime décrié en son temps et honni après sa chute, le Second Empire fut longtemps marqué du sceau décadent et superficiel de la « fête impériale ». Sur fond de bouleversements sociaux, cette époque de prospérité fut un temps de fastes et d’euphorie économique, d’ostentation et de célébrations multiples qu’il convient de réexaminer.

C’est également une période de crise morale et esthétique, écartelée entre les cadres culturels anciens et les nouveaux usages, entre l’hypertrophie des décors et la quête du vrai, autant d’oppositions qui déterminent pour une large part la création française des années 1850 et 1860.

Pour célébrer ses 30 ans à l’automne 2016, le musée d’Orsay se penche sur le Second Empire des spectacles et de la fête, et sur les différentes « scènes » où s’est inventée notre modernité. Le parcours thématique, où se côtoient peintures, sculptures, photographies, dessins d’architecture, objets d’art, et bijoux, brosse le portrait de cette époque foisonnante, brillante et riche en contradictions.

Site de l’exposition

Journée d’études, « Les mots de l’exil dans l’Europe du XIXe siècle », 19 janvier 2017, Musée de l’immigration

La première journée d’études organisée par le programme ANR AsileuropeXIX se tiendra le jeudi 19 janvier 2017 au Musée national de l’histoire de l’immigration, Palais de la Porte Dorée à Paris, de 10h à 17h, ATELIER 4.

Présentation :

Cette journée d’études a pour but d’analyser le vocabulaire européen de l’exil au XIXe siècle, s’appuyant sur l’hypothèse selon laquelle les statuts des exilés et réfugiés ne sauraient être compris sans une prise en compte des termes par lesquels ils étaient alors désignés. La rencontre se propose également de comparer les pratiques administratives et judiciaires mises en œuvre par les États d’accueil à leur égard, en s’intéressant à la circulation des modes de désignation, de surveillance et de contention de ces étrangers. Une session éclairera enfin les représentations contrastées des exilés et réfugiés dans l’Europe du XIXe siècle, saisies à travers débats parlementaires, littérature et chansons.

Réservation obligatoire : asileurope@gmail.com

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Pour télécharger le programme et l’affiche au format PDF :

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Journée d’études : « Les mots de l’exil dans l’Europe du XIXe siècle »

9h45

Accueil des participants

10h00

Mot d’accueil, Marianne Amar, responsable du département de la Recherche, Musée national de l’histoire de l’immigration

Introduction de la journée d’études, Delphine Diaz, maîtresse de conférences, Université de Reims Champagne-Ardenne, responsable du programme ANR AsileuropeXIX

10h30-12h30

Première session présidée par Alexandre Dupont (IEP d’Aix-en-Provence)

Parler d’exil et d’asile politiques dans l’Europe du XIXe siècle

  • Catherine Brice (Université Paris Est-Créteil-Val de Marne-IUF) : « Esuli, fuorusciti, emigrati…les nombreux mots du départ depuis les États italiens du XIXesiècle »
  • Thomas C. Jones (Buckingham University) : « Defining « asylum » in Britain, 1815-1870»
  • Romy Sánchez (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) et Juan Luis Simal (Universidad Autónoma de Madrid) : « Lexique du destierroespagnol : péninsule et Outre-Mer, c.1820-c.1880 »
  • Katarzyna Papiez, (Université Paris-Sorbonne) : « Les mots de l’exil dans la « Grande Émigration » polonaise : émigration, exil, colonie »

Discussion

 

14h00-15h15

Deuxième session présidée par Laurent Dornel (Université de Pau et des Pays de l’Adour)

Les représentations de l’exil dans l’Europe du XIXe siècle : mots, chansons, images

  • Maïté Van Vyve (KU Leuven, Belgique) : « Entre le bon, la brute et le truand : les représentations de l’étranger dans les discours parlementaires en Belgique (1835-1875) »
  • Laure Godineau (Université Paris XIII) :« Figures de l’exil dans la littérature communarde »

Discussion

15h30-16 h 45

  • Sylvie Aprile (Université de Lille 3) : « Les exilés aux frontières, expériences et représentations dans l’Europe du xixe siècle »
  • Jeanne Moisand (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : « De l’exilé honorable au criminel potentiel ? Éléments pour une conclusion »

Discussion générale

 

Des musées d’arts industriels aux collections d’arts décoratifs

Les enjeux de la valorisation patrimoniale d’un passé industriel

Journée d’études organisée par le Centre de recherches sur les économies, les sociétés, les arts et techniques (CRESAT) – Université de Haute-Alsace

Appel à communications

L’histoire récente des musées d’arts décoratifs résulte des débats sur la place du musée dans la formation des ouvriers d’art. Les principaux musées d’arts décoratifs en Europe ont été édifiés pour rassembler des chefs-d’œuvre du passé dans le but de contribuer à l’édification du goût : en 1851, le South Kensington Museum de Londres ; en 1864, le Osterreichisches Museum für Kunst und Industrie de Vienne ou encore le projet de l’Union centrale des beaux-arts appliqués à l’industrie. L’ouverture de ces musées avait pour but de proposer des modèles représentatifs de l’histoire des arts décoratifs pour les élèves et les professionnels, selon une vision défendue par Marius Vachon. Mais en 1905, l’installation définitive des collections du musée de l’Union Centrale des Arts Décoratifs à Paris dans le pavillon de Marsan marque une évolution dans la valeur accordée à l’objet qui acquiert le statut d’œuvre d’art, exposé en tant que telle. Le musée parisien est révélateur d’un engouement pour les collections d’arts décoratifs, constituées le plus souvent comme un département du musée des beaux-arts, mais qui parfois obtiennent leur autonomie avec l’ouverture d’un musée spécialisé.

Il faut attendre la seconde moitié du XXe siècle pour que l’attrait pour les arts décoratifs et la valorisation d’un passé industriel donnent lieu à des redéploiements de collections ou à de nouvelles initiatives. Des collectivités territoriales et des associations s’emparent de ces questions pour mettre en œuvre des politiques patrimoniales en faveur de productions encore en activité ou appartenant au passé industriel. L’évolution du contexte a contribué à modifier les enjeux muséographiques, le musée est passé de la vitrine de l’excellence à la réception d’un patrimoine, soumis aux aléas de la conservation, notamment dans le contexte des fermetures d’usines et de délocalisations. Enfin durant les années 2000/2010, on assiste dans toute la France à de nombreux chantiers redéployant les collections des musées d’arts industriels du XIXe siècle tandis que des collections d’arts décoratifs sont installés dans de nouveaux bâtiments. Autant de projets révélateurs des politiques de valorisation d’un patrimoine ainsi que de l’intérêt du public pour les arts décoratifs.

Cette journée d’études a pour objectif de revenir sur l’histoire complexe de ces collections :
Les propositions pourront porter sur (liste non exhaustive) :

La constitution des collections d’arts décoratifs en Europe et le rôle des personnalités,

  • journalistes, collectionneurs ou politiques
  • L’évolution des objets et documents conservés, la valorisation des savoir-faire, des techniques de productions
  • La définition du musée par rapport à celui des beaux-arts, un parcours encyclopédique ou spécialisé
  • Le statut de l’objet dans la muséographie et dans la conception des collections
  • La place des industries du luxe dans les musées, notamment dans les cas de valorisation d’une industrie locale
  • L’apparition des objets contemporains, du Design et la conservation des fonds d’archives.

Les propositions devront comporter un titre, un résumé (300 mots maximum) pour la communication, une présentation en quelques lignes de l’intervenant et quelques références de ses publications.
Les propositions sont à envoyer au plus tard le 2 janvier 2016 à l’adresse suivante : aziza.gril-mariotte@uha.fr.

Lieu et date
Mulhouse, Université de Haute-Alsace, Campus Fonderie, jeudi 30 mars 2017 Comité d’organisation : Aziza Gril-Mariotte, Maître de conférences en histoire de l’art, Université de Haute-Alsace.

Comité scientifique
Arnaud Bertinet, Maître de conférences en histoire de l’art – Université Paris I Panthéon- Sorbonne
Hervé Doucet, Maître de conférences en histoire de l’art – Université de Strasbourg
Rossella Froissart, Professeur d’histoire de l’art contemporain – Université d’Aix-Marseille Bernard Jacqué, Conservateur honoraire du musée du papier peint de Rixheim – chercheur associé au CRESAT
Pauline Prevost Marcilhacy, Maître de conférences en histoire de l’art – Lille 3

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Plateforme de la Société d'histoire de 1848 et des révolutions du XIXe siècle